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Ne doit pas être confondu avec Art déco.

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Composition représentant les divers aspects de l'Art nouveau.
Période	1890 - 1910 environ
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Vase Daum, Nancy (vers 1900).

Vase Rosenthal, Art nouveau (vers 1900).

L'Art nouveau est un mouvement artistique de la fin du XIX^e et du début du XX^e siècle qui s'appuie sur l'esthétique des lignes courbes.

Né en réaction contre les dérives de l’industrialisation à outrance et la reproduction sclérosante des anciens styles, c'est un mouvement soudain, rapide, qui connaît un développement international : Tiffany (d'après Louis Comfort Tiffany aux États-Unis), Jugendstil^{[Note 1]} (en Allemagne), Sezessionstil (en Autriche), Nieuwe Kunst (aux Pays-Bas), Stile Liberty (en Italie^[1]), Modernismo (en Espagne), style sapin (en Suisse), Modern (en Russie). Le terme français « Art nouveau » s’est imposé au Royaume-Uni, en même temps que l’anglomanie en France a répandu le terme Modern Style^[2] au début du XX^e siècle^[3].

S'il comporte des nuances selon les pays, ses critères sont communs : l'Art nouveau se caractérise par l'inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornementations inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, et qui introduisent du sensible dans le décor quotidien. C'est aussi un art total en ce sens qu'il occupe tout l'espace disponible pour mettre en place un univers personnel considéré comme favorable à l’épanouissement de l'homme moderne à l'aube du XX^e siècle. En France, l'Art nouveau était appelé « style nouille » par ses détracteurs, en raison de ses formes caractéristiques en arabesques, ou encore « style Guimard », à cause des bouches de métro parisiennes réalisées en 1900 par Hector Guimard.

Apparu au début des années 1890, on peut considérer qu’à partir de 1905, l'Art nouveau avait déjà donné le meilleur de lui-même et que son apogée est atteint^[4]. Avant la Première Guerre mondiale, ce mouvement évolua vers un style plus géométrique, caractéristique du mouvement artistique qui prendra la relève : l'Art déco (1910-1940).

Aux origines de l'Art nouveau |

Un long cheminement pour se libérer du classicisme |

Les planches dessinées par Ernst Haeckel, comme ces radiolaires, seront source d'inspiration pour les artistes de l'Art nouveau.

Au XIX^e siècle, presque toutes les formes d'art s'inspirent du passé. L'imitation du gréco-romain cohabite avec celle des styles nationaux. Cependant, certains artistes ont espéré que le XIX^e siècle trouverait enfin un style qui lui soit propre. La prédominance des formes inspirées du passé est la raison fondamentale de l'apparition d’un Art nouveau.

La source est très ancienne et la thématique de l'Art nouveau se trouve déjà dans les textes des théoriciens révolutionnaires. Ainsi, Claude Nicolas Ledoux est l'un des premiers à poser cette question d’un art qui ne soit pas l’imitation de quelque chose, mais qui aille plus loin en créant quelque chose de totalement original pour une civilisation nouvelle. On l'aperçoit aussi dans les formes les plus inattendues comme avec le retour à l’historicisme qui n'est autre qu'un moyen d’évasion^[5].

En étant l’un des premiers à dessiner une multitude de coquillages, fleurs, méduses, radiolaires, foraminifères, diatomées, etc., dans un but scientifique, Ernst Haeckel peut être considéré comme un autre précurseur de l’Art nouveau. Son travail a inspiré les grands lustres en forme de méduse de Constant Roux, pour le musée océanographique de Monaco. Les acteurs de l’Art nouveau feront souvent référence à cette réalisation, tant ce fut un choc pour eux, même si pour Haeckel il ne s'agissait que de copies du réel^[6]. De même, la porte monumentale de l'architecte français René Binet, à l'Exposition universelle de 1900, s'inspire du travail de Haeckel.

Les précurseurs |

Royaume-Uni |

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La Séduction de Merlin, Edward Burne-Jones (1874), Lady Lever Art Gallery, Liverpool.

Les prémices de cet art sont perceptibles dans la dimension onirique perceptible chez les peintres préromantiques. Augustus Pugin, classé parmi les artistes de style néogothique, et qui vit en Angleterre vers 1830-1850, possède une invention qui préfigure l’extraordinaire saturation décorative de l’Art nouveau, la liberté des formes, la puissance de la couleur, la lutte entre architecture et décor qui est l’un des grands combats artistiques de la seconde moitié du XIX^e siècle^[5]. Par ailleurs, le préraphaélisme s'éveille dès 1850 aux courbes et aux couleurs, inspirées des maîtres italiens du XV^e siècle ou de la Renaissance florentine (Botticelli) par réaction à la révolution industrielle.

Les fondements théoriques du mouvement Arts & Crafts, comme les thèses de William Morris, de John Ruskin, lequel influence Arthur Heygate Mackmurdo, ou de Charles Rennie Mackintosh qui réalise la Glasgow School of Art à Glasgow de 1897 à 1899, définissent un nouvel art décoratif au Royaume-Uni. Ils se prononcent contre les dérives de l'industrialisation et de l'assèchement créatif qu'elle entraîne, ils prônent un retour à l'esprit des guildes médiévales, à l'étude du motif naturel, à l'emploi de formes épurées : la régénération de la société ne se fera que par la vérité des formes qui l'entourent et dont elle use. Dans la foulée se développe un courant assez proche appelé esthétisme et qui marquera des artistes comme Oscar Wilde, Edward Burne-Jones à partir de 1874 ou Aubrey Beardsley en 1893.

Espagne |

Palais Güell d'Antoni Gaudí, Barcelone, 1886-1890.

En Espagne, et plus précisément en Catalogne, le mouvement porte le nom de modernisme catalan à la suite de l'exposition universelle de 1888 de Barcelone. Il se construit durant les années 1870 sur la conjonction de plusieurs facteurs : la rénovation artistique, en parallèle d’autres arts contemporains, la recherche de nouvelles expressions formelles et la volonté de se situer dans une modernité d’envergure européenne. Selon les mots de l’écrivain Joan Fuster, il a vocation à transformer « une culture régionale traditionaliste en une culture nationale moderne ».

Les prémices de l'Art nouveau se retrouvent dès 1871 dans les cours de la nouvelle École provinciale d'architecture de Barcelone, qui était alors dirigée par Elies Rogent i Amat (1821-1897) et dans les œuvres de Josep Domènech i Estapà — malgré lui, puisqu’il refusa explicitement ce mouvement. Cependant, il est classique de considérer qu'en Catalogne l'Art nouveau commence en 1888, lors de la première exposition universelle de Barcelone, occasion pour laquelle un grand nombre d'édifices modernistes furent construits. De cet évènement subsistent encore l'arc de Triomphe de Barcelone et le Château des trois dragons^[7].

Ce mouvement présentait des similitudes conceptuelles et stylistiques avec diverses variantes de l’Art nouveau qui se développait en Europe à la même époque. Par contre, il se singularisait selon trois aspects : il se développait dans la continuité de la renaissance catalane (1833-1880) ; il apparait au moment où existait un pressant besoin d’évolution et de rénovation politique et sociale et, alors qu’au même moment, la plupart des villes de Catalogne s’agrandissaient à un rythme hors de toutes comparaisons depuis la Renaissance — Girone, Tarragone, Reus, Sabadell, Terrassa, Mataro et surtout Barcelone avec son plan Cerdà (lancé en 1859), qui offrait 1 100 hectares de terrains nus à l'imagination des architectes^[7]. En outre, et contrairement à d'autres pays d'Europe, il cherchait à créer un art national là où d'autres pays cherchaient à dépasser leurs frontières^[8]. Antoni Gaudí est le principal représentant des nouvelles tendances de ce mouvement, dès 1886 avec notamment le Palais Güell (1886-1890) orné de ferronneries et pinacles ouvragés, qui succède à sa période orientalisante initiée en 1883 (El Capricho, Casa Vicens) et précède le Collège Sainte-Thérèse de Barcelone (1888-1889) aux accents déjà modernes, puis le plein épanouissement de sa période naturaliste à la fin du siècle.

Belgique et France |

Affiche de l'exposition de 1896 de la Libre esthétique par Théo Van Rysselberghe.

En France, le propos, plus ou moins moral, se veut plus rationnel, moins tourné vers le passé et moins fermé aux matériaux nouveaux : dans ses écrits théoriques marqués par le rationalisme (Entretiens sur l'architecture, 1863), Eugène Viollet-le-Duc ne rejette pas le matériau moderne (le fer notamment), mais veut au contraire l'afficher en lui donnant une fonction ornementale et esthétique, à la manière des structures gothiques du Moyen Âge. Paradoxalement connu comme le chef de file français du mouvement néo-gothique, Viollet-le-Duc sera l'inspirateur de nombreux architectes de l'Art nouveau. Par ailleurs, certaines de ses œuvres décoratives, notamment ses fresques peintes au château de Roquetaillade (1850), sont de parfaits exemples du lien de filiation entre le mouvement néogothique et l'Art nouveau. Mais c'est à partir de 1892 à Bruxelles avec Victor Horta, Henry Van de Velde et Paul Hankar, puis en France que sont définis les principes formels d'une architecture spécifiquement dénommée « Art nouveau ».

À Bruxelles, où il existe un milieu d'avant-garde à la recherche de nouveauté capable de faire pièce à l'historicisme triomphant, un ensemble de mécènes et d'artistes connu sous le nom de groupe des vingt, organise à partir de 1884 des expositions regroupant des artistes refusés par les salons officiels. La plupart sont des admirateurs des stylisations novatrices de Mackmurdo et ils invitent de nombreux progressistes dans le domaine de la peinture. Ce groupe est peut être le premier à intégrer au sein d'une exposition de peinture et sculpture des objets d'art décoratif. Ce mouvement est très influencé par des penseurs et artistes anglais, tel William Morris, James Abbott McNeill Whistler ou Aubrey Beardsley ; et par l'art japonais. Ce groupe poursuit la même activité après 1894 sous le nom de La Libre Esthétique^[9].

Evolutions du mouvement |

Le mouvement identifié en tant que tel est divisé en trois périodes, notamment par Paul Greenhalgh, une période d'apparition au grand public, très courte entre 1893 et 1895 ; une période où le mouvement s'étend rapidement et prend place dans tous les milieux culturels, entre 1895 et 1900 et enfin un moment où le mouvement se stabilise, commence à faire des bilans sur lui-même et essuie de sévères critiques, avant de s'effacer durant la Première Guerre mondiale^[10].

Les débuts de l'Art nouveau - 1890-1895 |

Détail du frontispice du palais de la Sécession à Vienne.

« À chaque époque son art, à chaque art sa liberté ! »

— Devise de la Sécession viennoise inscrite sur le palais de la Sécession à Vienne, 1897.

Le mouvement en tant que tel naît et se développe dans toute l'Europe entre 1890 et 1895 avec une très grande rapidité. Il est ainsi très délicat d'identifier des initiateurs précis. Le fait que de très nombreuses disciplines s'emparent de ce nouveau catalogue de formes donne très rapidement l'impression aux contemporains qu'ils assistent à l'émergence d'un mouvement artistique à part entière englobant tous les aspects de la vie^[11].

Paul Greenhalgh identifie la phase initiale du mouvement entre 1893 et 1895, autour de quatre évènements se déroulant surtout dans de grandes capitales, Londres, Bruxelles et Paris.

Le premier évènement est la publication dans le premier numéro de la revue The Studio des dessins de Aubrey Beardsley en 1893. Ce jeune illustrateur présente pour la première un style de dessin qui sera caractéristique de l'Art nouveau, et il devient instantanément le centre d'intérêt des avant-garde des deux côtés de l'Atlantique^[12].

La même année, à Bruxelles, Victor Horta achève l'hôtel particulier d'Émile Tassel, première réalisation architecturale Art nouveau aboutie^[13]. Horta exploite le premier la ligne courbe, symbole entre tous de ce mouvement. La fluidité des espaces fait écho aux courbes végétales qui investissent ferronneries, mosaïques, fresques et vitraux, éléments tant structures qu'ornements, dans la plus parfaite ligne d'Eugène Viollet-le-Duc. Horta conçoit un édifice inédit avec des meubles qui correspondent au rythme des murs et de l’architecture ; il dessine les motifs des tapis, conçoit les meubles : c'est la naissance d'un « Art total ».

L'année suivante, toujours dans la capitale belge, Henry Van de Velde publie un pamphlet le Déblaiement d'Art qui prend du recul sur les évolutions artistiques contemporaines et fustige avec fougue le monde de l'art institutionnalisé. Cette réflexion est la première intellectualisation de deux idées fortes de l'Art nouveau : la valeur des arts décoratifs aux côtés des arts dits nobles et l'importance de l'harmonie générale dans tout travail de décoration^[13].

Le dernier évènement, qui clôt la phase initiale du mouvement est l'ouverture à Paris en 1895 du magasin et centre d'exposition la Maison de l'Art nouveau par Siegfried Bing qui popularise le style dans la capitale et le fait connaître au grand public^[14],[15].

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  J'ai baisé ta bouche Iokanaan, illustration de Aubrey Beardsley pour la pièce de théâtre d'Oscar Wilde Salomé.
  

  
  

  
  


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  Nicola Perscheid, Portrait d'Henry Van de Velde (1904).
  

  
  

  
  


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  Entrée rue de Provence de la galerie Art nouveau de Siegfried Bing.
  

  
  

  
  


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  Art nouveau, affiche de la galerie Siegfried Bing (1895).
  

  
  

  
  

À la fin du XIX^e siècle, les échanges artistiques s’ étant intensifiés, le mouvement se diffuse rapidement. Des albums et revues d’art et d’architecture sont abondamment illustrées et propagent les idées nouvelles, comme L'Estampe originale (1888-1895), The Studio (1893), Jugend (1896), Art et décoration (1897), etc. Le développement des moyens de communication permet aux architectes de voyager ; ainsi des connexions s'établissent entre Bruxelles et Paris : Hector Guimard sera très influencé au cours d’un voyage qu’il a fait en 1895 pour voir les architectures de Victor Horta, ce qui l’amènera à intégrer certaines de ses formes dans sa propre architecture^[4]. De même, des liens très étroits se tissent entre Vienne et Glasgow, et un architecte comme Otto Wagner recevra la visite de Charles Rennie Mackintosh.

Dénomination |

L'expression « Art nouveau » est employée pour la première fois par Edmond Picard, en 1894, dans la revue belge L'Art moderne, dans la lignée de La Jeune Belgique, pour qualifier la production artistique d'Henry van de Velde^[16].

Cependant, le nom a été inventé par Van de Velde avec Victor Horta, Paul Hankar et Gustave Serrurier-Bovy^[17]. Elle passe en France, lorsque, le 26 décembre 1895, elle devient l'enseigne de la galerie d'art de Siegfried Bing, sise 22, rue de Provence à Paris, sous le nom maison de l'Art nouveau.

En Angleterre, ce mouvement est également connu sous le terme de Arts and Crafts movements, même si les personnes qui emploient cette expression l'utilisent pour désigner un mouvement plus large^[14].

En France, on utilise quelquefois, surtout au début, le terme Modern Style pour faire référence au rôle initiateur joué par l'Angleterre^[14]. Avec Art nouveau, il existe les expressions style 1900, style Guimard^{[Note 2]}, style de Glasgow^{[Note 3],[18]}. Les personnes critiques envers ce courant artistique emploient volontiers les termes style métro, style Maxim's, style ténia^[19] ou Yachting style, comme le nomme Edmond de Goncourt en comparant les présentations de Bing à l'exposition universelle de 1900 à des cabines de bateau^[18].

En Allemagne, On emploie soit Studio-stil en référence à la revue The Studio qui a popularisé le mouvement soit Jugendstil, du nom d'une autre revue défendant l'Art nouveau Jugend. Les Allemands emploient également les termes Belgischestil ou Veldeschstil en référence à la Belgique ou à Henry Van de Velde^[14]. Apparaissent également outre-Rhin les expressions Lilienstil, style lys ou Wellenstil, style vague^[18].

En Italie, en Espagne ou en Amérique latine, le terme de style Liberty est employé en référence aux magasins du même nom qui importent des produits de ce mouvements^[14].

Déploiements - 1895-1900 |

La phase d'extension et de maturité du mouvement se situe entre 1895 et 1900. Ce style se répand dans toute l'Europe, chaque ville ou pays adaptant le mouvement artistique à ses propres caractéristiques et considérations locales^[20].

La Maison de l'Art nouveau de Bing est une des vitrines sur cette période de l'étendue de ce que propose le mouvement. Il expose ainsi des vitraux de Tiffany^{[Note 4]}, des réalisations de Van de Velde, de Beardsley, Lalique, Colonna, Gaillard ou De Feure^[21].

Ruptures et déclin - 1900-1920 |

Entre 1900 et 1914, l'Art nouveau s'est imposé et il commence à faire l'objet de débats, de discussion, de critiques^[20]. Dès 1900, de nombreux critiques d'art s'attaquent à ce mouvement. Ils reprochent notamment de laisser obstinément de côté l'un des principes des arts décoratifs qui veut que l'ornementation d'un objet doit être subordonné à sa fonction. Dès l'exposition universelle de 1900, Charles Genuys, critique à La revue des arts décoratifs soulève ce point entre autres^[22]. L’Art nouveau est également violemment attaqué par les mouvements nationalistes, à partir des années 1904-1905, où les associations d’extrême droite française condamnent notamment Hector Guimard. Ces mouvances n'hésitent pas à employer la même rhétorique que pour les juifs, accusant ces artistes d'être contre la nation et devant être éliminés^[5].

Par ailleurs, les créateurs authentiques sont vite rattrapés par le succès d'une mode dont ils sont les inspirateurs, et qui triomphe à partir de l'exposition universelle en 1900, notamment dans une bimbeloterie envahissante qui ternit pendant longtemps la mémoire de l'Art nouveau. À partir de 1910, les salons des arts décoratifs sont inondés d'objets quelconques, reprenant des styles anciens et ne laissant plus de place aux objets art nouveau, que le public délaisse^[23]. De fait, la production d'objets Art nouveau après la Première guerre mondiale se poursuit avec un certain succès de nombreuses années, mais ceux-ci sont la plupart du temps de simples copies n'intégrant pas de nouveautés^[24].

Le déclin de l'art nouveau se voit en partie par l'éloignement d'une partie de ces créateurs, qui se reportent vers d'autres styles (dès 1905-1906) qui, eux, se maintiennent en vie. De plus, comme les représentants les plus influents de ce courant sont dispersés dans toute l'Europe, ils n'ont pas pu élaborer de système formel, ni s'inscrire au sein d'une institution officielle qui aurait légitimé et porté le mouvement^[25].

Toutefois, cette vision est l'héritière d'une historiographie qui a longtemps peu étudiée la fin de ce mouvement. La vulgate de l'histoire de l'art a longtemps considéré que les mouvements artistiques postérieurs ont rompu radicalement avec l'Art nouveau. Il ne faut toutefois pas omettre que de nombreux artistes pleinement membre du mouvement ont d'eux-mêmes et très progressivement fait évoluer leur pratique, et que les nouveaux artistes s'insèrent la plupart du temps volontairement dans la continuité des avant-gardes précédentes^[24].

Caractéristiques de l'Art nouveau |

L'Art nouveau est un mouvement artistique d'une extrême richesse, qui n'est s'est pas déployé de la même manière selon les lieux, les moments et les techniques. Ce mouvement se reconnait toutefois à un certain nombre de caractéristiques communes, même si tous les artistes n'ont pas exploité les mêmes thèmes ni intégré les mêmes influences.

Thèmes |

La grande variété inhérente au mouvement Art nouveau empêche d'isoler un nombre fini de thèmes explorés par les différents artistes mais certains d'entre eux sont fondamentaux : la femme, la nature, les lignes courbes et l'asymétrisme.

La femme |

L'image de la femme est extrêmement présente au sein de la production artistique Art nouveau. Que ce soit en femme éthérée et mystérieuse, en femme symbole de la nature, en femme active et pleine de vie ou en femme fatale, matinée d'érotisme, ce thème est récurrent dans la grande majorité des tendances, des lieux et des mouvements internes.

L'image de la femme fatale est déjà très présente dans la littérature fin-de-siècle. Ainsi, le Nu féminin est traditionnellement limitée aux scènes mythologiques et il est très codifié, expurgeant ainsi tout érotisme. De nombreux artistes Art nouveau s'en emparent et l'utilisent en n'hésitant pas à rompre avec l'image académique de la femme. Ils réinterprètent ainsi les Salomé, les sphinx féminins et autres mythes similaires^[26].

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  Salomé par Aubrey Beardsley, 1893, Musée d'art du comté de Los Angeles.
  

  
  

  
  


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  Salomé par Franz von Stuck, 1906, Lenbachhaus
  

  
  

  
  


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  Salomé par Alfons Mucha, 1897, Collection particulière
  

  
  

  
  


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  Sphinx par Franz von Stuck, 1904, Hessisches Landesmuseum Darmstadt
  

  
  

  
  


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  Le péché par Franz von Stuck, 1893, Neue Pinakothek
  

  
  

  
  

L'image de la femme est également importante dans le mouvement Art nouveau pour son aspect naturaliste. Un grand nombre d'artistes montrent les femmes actives, fortes et maîtresses de leur destin, là aussi à rebours des codes classiques des représentations réalistes de la femme^[26]. L'époque est celle de l'émergence des femmes de théâtre célèbres, de chanteuses à succès et de courtisanes. Les femmes artistes ont les faveurs des peintres et sculpteurs Art nouveau, qui voient dans ces femmes l'exemple des femmes fascinantes qu'ils se plaisent à imaginer et représenter^[27].

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  Tilla Durieux jouant Circé par Franz von Stuck, 1913, Alte Nationalgalerie
  

  
  

  
  


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  Sarah Bernhardt jouant dans la Dame aux camélias par Alphonse Mucha, 1896, Bibliothèque du Congrès
  

  
  

  
  


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  Lampe sculptée par Raoul Larche représetant Loïe Fuller, 1900, Budapest Museum of Applied Arts
  

  
  

  
  

La nature |

En tant qu'objet scientifique en plein essor, la nature représente à la fin du XIXe siècle la modernité. Modèle de beauté parfaite, la nature est donc largement exploitée comme thème par le mouvement Art nouveau, mais en dépassant le naturalisme traditionnel. Si les artistes Art nouveau sont nombreux à sortir des ateliers pour aller voir la nature de plus près, ils s'emparent également largement de nombreuses publications scientifiques qui décrivent et représentent le plus précisément possible la faune et la flore pour non pas en reproduire l'image le plus fidèlement possible, mais pour en trouver une forme esthétique nouvelle. D'ailleurs, un certain nombre de créateurs Art nouveau ont fait des études scientifiques et publient dans des revues universitaires^[28]. Ainsi, cette idée de dépasser les représentations traditionnelles de la nature en exploitant avant tout les formes proposées par la faune et la flore apparait très tôt via le mouvement Arts and crafts et est théorisée par plusieurs figures du mouvement tels Owen Jones ou van de Velde. Les artistes s'emparèrent largement de l'ouvrage de Ernst Haeckel Formes artistiques de la nature qui, publié entre 1899 et 1904, est pour eux comme un immense répertoire de formes. Josef Maria Olbrich déclare ainsi : « Qu'y a-t-il de plus propre à éveiller en nous des sentiments de vie que les lignes suggestives des longues antennes d'une méduse qui ondule dans l'eau ? »^[29].

L'exploitation de la nature est pour nombre des premiers artistes Art nouveau également un rejet des thèmes traditionnels historicistes de l'art (scènes de guerre, portraits d'hommes célèbres, scènes religieuses, de la mythologie grecque ou romaine), tout autant que de leur forme^[29].

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  La Nature d'Alfons Mucha
  

  
  

  
  


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  Porte de l'Exposition universelle de Paris de 1900, influencée par la publication d'Ernst Haeckel par René Binet, 1900.
  

  
  

  
  


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  Fontaine par Hermann Obrist, 1912, Munich
  

  
  

  
  


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  Vitraux aux iris jaunes par Jacques Grüber. Musée départemental Maurice-Denis « Le Prieuré »
  

  
  

  
  

Courbes et asymétrisme |

Influences |

Malgré la volonté affichée de rompre avec le passé, les artistes de ce mouvement ne rejettent pas entièrement les héritages du passé. En revanche, ils les mélangent avec d'autres influences, absentes des style qui les ont précédés.

Exotisme |

Comme d'autres artistes inspirés par des civilisations lointaines et très différentes, les membres de l'Art nouveau ont été nombreux à être inspirés par l'art asiatique, japonais notamment, ou islamique. En cette fin de siècle, des images et des œuvres arrivent de ces contrées et surprennent les Européens, qui s'emparent des formes et thèmes utilisés^[30].

Mythes et folklores |

Dans la veine de la redécouverte des anciennes civilisations européennes, de nombreux artistes Art nouveau s'emparent des motifs et formes des images qui leur parviennent. Cela concerne surtout les civilisations celtiques ou Vikings^[31].

Styles antérieurs |

Même si les artistes tenant de l'Art nouveau critiquent les excès de l'historicisme duquel ils veulent s'extraire, cela ne signifie pas qu'ils rejettent indifféremment les formes des styles antérieurs. Ainsi, il se retrouve de nombreux exemples, mêlés de manière plus ou moins complexe à leur propre style, de réemploi de motif classique^[32], gothique^[33] ou même rococo dans leurs œuvres^[34].

Symbolisme |

L'art symboliste a une influence importante sur de nombreux artistes Art nouveau, surtout en France. C'est ainsi que de nombreux postimpressionnistes, pointillistes ou membres du groupe Nabi se retrouvent pleinement dans la mouvance Art nouveau^[35],[36].

Une nouvelle manière de s'exprimer |

C'est à partir d'idées et d'idéaux communs que naquit l'aspiration à un style homogène qui trouverait son expression non pas dans l'uniformité, mais dans la diversité^[37]. L’Art nouveau contient l’acceptation des différences de genre et d’esprit entre les êtres, il procède d’une très grande générosité de pensée. Ainsi dans la même ville, Bruxelles, trois architectes de renom ont pu cohabiter : Paul Hankar, Henry van de Velde et Victor Horta. Plutôt que de s’enfermer dans un style, les artistes ont avant tout la volonté de trouver de nouvelles manières de s’exprimer^[4].

Un art de la jeunesse |

Sgraffites sur la maison Cauchie, Bruxelles (1905).

L’Art nouveau apparaît un peu partout au même moment. L'historien Mario Praz parlera de « déflagration », « d'explosion de la jeunesse ». Ce courant est le fait d'une génération d'artistes, souvent jeunes (Hector Guimard a moins de trente ans lorsqu'il dessine le métro parisien), et qui sortent de leur tour d'ivoire pour prendre en main le décor de la vie. L'objectif est de rompre avec l'exploitation des styles du passé, afin de proposer une alternative à un historicisme officiel qui empêche le renouveau des formes. Le terme allemand Jugendstil signifie explicitement « style de la jeunesse ».

L’Art nouveau vient en réaction à l’obligation de faire ce qui est convenable, codifié. Ainsi, la lecture de la baronne Staffe, qui a écrit un traité des bonnes mœurs pour faire l’éducation des classes moyennes, permet de mieux comprendre la société de 1900 : tout y apparaît codifié, de la longueur du voile de deuil à la carte de visite en passant par le type de chapeau… Ces règles seront insupportables aux artistes de la mouvance Art nouveau, tout comme celui-ci paraîtra insupportable, en tant qu'art non convenu, dans lequel il est impossible de se repérer par rapport aux styles et aux conventions de l’époque^[4]. Dans l’Art nouveau, il y a liberté de jouer, de s’amuser, d’être non conventionnel : c'est un art sonore, joyeux, musical, ce n’est pas un art du silence, de l’austère^[6].

Plus encore, la sensualité et l’érotisme de l’Art nouveau font scandale. S'il porte une charge érotique manifeste, la sensualité des formes végétales comme la sur-utilisation de l’image de la femme dans le répertoire ornemental sont intimement liés à ce sentiment de vie que les artistes cherchent à restituer dans le décor quotidien^[4].

Un art dans la vie |

Lampe Tiffany (vers 1890-1900).

Réaliser l'unité de l'art et de la vie, tel était l'objectif déclaré de l'Art nouveau^[37], qui estime qu’il faut un cadre de vie qui correspond aux exigences de l’homme moderne du début du XX^e siècle. Un autre objectif est de réagir contre une dérive liée à l’industrialisation à outrance et dépourvue de toute capacité d’invention. Prendre la nature comme référence, c’est alors réagir contre le rationalisme du début de l’ère industrielle, sa froide efficacité et sa morale puritaine. Les motifs habituellement représentés sont des fleurs, des plantes, des arbres, des insectes ou des animaux, ce qui permettait non seulement de faire entrer le beau dans les habitations, mais aussi de faire prendre conscience de l'esthétique dans la nature. Si la référence à la nature est une constante, la façon dont ces artistes vont aborder les modèles naturels varie.

Émile Gallé est un artiste naturaliste qui s'inspire de la nature en la stylisant très peu, il utilise ses formes dans les décors et dans les dessins de ses meubles. D’autres artistes vont plus loin et restituent dans les formes qu’ils inventent le sentiment de la sève qui circule dans le monde végétal. Naissent ainsi des formes qui suggèrent plus un organisme en croissance qu’un modèle précis. C'est par exemple le cas de Guimard, de Gaudí et de certains artistes allemands, comme August Endell, qui partent de la nature pour évoluer vers un phénomène d’abstraction^[4].

Les artistes vont créer des formes originales, inédites, inventer un vocabulaire nouveau tout en tenant compte de la possibilité de les reproduire industriellement. C'est une réaction à la fois contre une industrialisation mal pensée, tout en intégrant cette volonté de modernité. Avec l'utilisation des matériaux nouveaux et des moyens de production modernes, l'un des buts poursuivis, pour lequel il a échoué, était de s’adresser au plus grand nombre.

C'est dans cette optique que les anciens matériaux, comme le bois ou la pierre, ont été élégamment mariés avec les nouveaux, comme l'acier ou le verre. Pour chacun d'eux, des artistes ont poussé leurs recherches à l'extrême pour en tirer le meilleur parti. C'est ainsi que les pâtes de verre multicouches, les rampes d'escalier à entrelacs de ferronneries, les meubles aux ondulations de bois ont permis de mettre l'art à disposition de tous, pour un coût abordable, tout en gardant une volonté d'innovation formelle, inspirée de la nature. Cet art est tout de même lié à de nombreux mécènes et se propage dans un premier temps dans un milieu élitiste bourgeois.

Les clients sont nombreux pour les vases Gallé, dans les milieux mondains parisiens, entre 1896 et 1899. Mais, très vite, le succès populaire notamment dans le domaine de l’affiche, en fait quelque chose qui manque de classe et l’Art nouveau sera assez vite assimilé à l’émergence des classes moyennes. Très vite dévalué, puis mis en cause par les nationalistes, il devient totalement inexistant dans les milieux supérieurs en quelques années. Au contraire, dans les classes moyennes françaises, l’Art nouveau a une très longue durée, et se prolonge jusque dans les années 1920, comme en témoigne l’Exposition des Arts Décoratifs de 1925, où son influence est encore sensible^[5].

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  Carafe, étain et verre (vers 1900), fabrique allemande WMF Württembergische Metallwarenfabrik.
  

  
  

  
  


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  La Chimie, un des vitraux de la Chambre de commerce et d'industrie de Meurthe-et-Moselle, réalisé par Jacques Grüber.
  

  
  

  
  


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  Vase à décor d'orchidée, Émile Gallé (vers 1900).
  

  
  

  
  


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  Vase à décor floral réalisé dans une douille d’obus, artisanat de tranchée de la Première Guerre mondiale.
  

  
  

  
  


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  Diadème coq, de René Lalique, musée Calouste-Gulbenkian (1897-1898).
  

  
  

  
  


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  Éducation (panneau central), vitrail de Louis Comfort Tiffany (1890).
  

  
  

  
  

Un art dans la ville |

La façade du Castel Béranger, d'Hector Guimard

Hall de la cour régionale de Berlin au 12-17 Littenstrasse à Berlin Centre.

Si le XX^e siècle qui se profile se rêve nouveau et moderne, on se rend aussi compte que cette modernité risque de couper l'homme de la nature. Tout se passe comme si celle-ci risquait de s'échapper et que les artistes devaient essayer de la réintroduire le plus naturellement possible dans le cadre de vie. L’Art nouveau est un art essentiellement urbain, citadin qui trouve un écho dans des villes comme Barcelone, Glasgow, Vienne, Paris ou Bruxelles.

En France, l'Art nouveau se décline en deux écoles : Paris et Nancy.

À Paris, Samuel Bing, marchand d'art, ouvre en 1895 une galerie : la Maison de l'Art nouveau. Précurseur français du mouvement, qui sera baptisé, comme son magasin, l'Art nouveau, Bing expose des designers, tels Van de Velde, Colonna ou de Feure. À la même époque, la construction d'un immeuble, le Castel Béranger, rend célèbre, malgré les critiques, son architecte Hector Guimard ; le « style Guimard » est aujourd'hui indissociable des entrées du métro parisien, réalisées en fonte industrielle.

À Nancy, c'est autour d'Émile Gallé, verrier et ébéniste, qu'est créée en 1901 la fameuse École de Nancy. Par ce courant résolument novateur, Nancy s'affirme comme la capitale de l'Art nouveau en France. Des verriers, ébénistes, architectes ou ferronniers de renom en étaient membres. À titre d'illustration, un immeuble aujourd'hui monument historique, sis au 22, rue de la Commanderie, à Nancy, est le fruit de la collaboration entre l'ébéniste et ferronnier d'art Eugène Vallin, le verrier Jacques Grüber et l'architecte Georges Biet^[38]. Parmi les architectes nancéiens, citons encore Émile André, membre du comité directeur de l'école de Nancy avec, à son actif, une douzaine d'immeubles Art nouveau dans cette ville. De même Reims, ville reconstruite après la Première Guerre mondiale, peut-être considérée comme une ville de l’Art nouveau tardif^[5]. En Alsace-Moselle, on remarque la présence du Jugendstil (équivalent germanique de l'Art Nouveau) dans l'architecture, du fait de l'annexion allemande, notamment à Strasbourg et à Metz.

S'il existe des maisons de campagne d'inspiration Art nouveau, elles sont souvent commanditées par les mêmes personnes qui font construire leur hôtel particulier, ou hôtel de rapport, en plein cœur de la ville. L'Art nouveau inspire bien sûr l'architecture de nombreux immeubles parisiens, mais surtout celle, parfois très soignée, de nombreuses villas anciennes en meulière, construites pour la plupart au début du XX^e siècle, et que l'on peut découvrir en banlieue parisienne, notamment dans les villes de banlieue du Val-de-Marne, de l'Essonne et de la Seine-Saint-Denis. Celles-ci se caractérisent par leurs audaces en fer forgé, leurs décors de briques et de faïence, leurs pignons et parfois leurs petites tours. C'est dans ces banlieues que des architectes français expérimentent de nouveaux matériaux et de nouveaux styles inaugurant l'Art nouveau qui, par opposition à l'académisme, se veut total.

En Catalogne, après l'explosion de l'exposition universelle, l'Art nouveau est surtout un fait bourgeois. Il fleurit sur l'avenue du passeig de Gràcia, à Barcelone^{[Note 5]}, et dans les principales artères de l'Eixample, à la faveur de concours d'architectures organisés par la ville. Il conquiert rapidement tous les domaines et devient un art officiel avec les commandes publiques de bâtiments de grande dimensions (le palais de la musique catalane, l'hôpital de Sant Pau, le conservatoire de Barcelone, etc.) et pour l'aménagement urbain (des luminaires, places ou bancs). Pensé pour accueillir un quartier de la ville entièrement moderniste, le parc Güell resta cependant un des rares jardins publics Art nouveau, avec la fin de la vogue de cet art comme avant-garde, et le retrait des investisseurs. Propulsé par de riches industriel, l'Art nouveau devient rapidement — contre ses idéaux d'origine — un style industriel. L'usine textile Casaramora ou le cellier Güell sont des exemples de ce modernisme appliqué à l'industrie et aux exploitations agricoles. Cette architecture est également appliquée à l'art religieux (Sagrada Família, crypte de la Colonie Güell, cimetières), aux bâtiments scientifiques (observatoire Fabra), voire scolaires (école de la Sagrada Família, collège Sainte-Thérèse, etc.).

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  Palais de la Sécession de Joseph Maria Olbrich, Vienne (1897).
  

  
  

  
  


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  Villa Majorelle construite par Henri Sauvage, Nancy (1901-1902).
  

  
  

  
  


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  Immeuble Biet, Nancy (1901-1903).
  

  
  

  
  


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  Hôtel Ciamberlani, par Paul Hankar, Ixelles (1897).
  

  
  

  
  


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  Maison Fenoglio-Lafleur, Turin (1902-1903).
  

  
  

  
  


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  Maison municipale, Prague (1905-1912).
  

  
  

  
  


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  Immeuble Les Cinq Continents, Anvers (1901).
  

  
  

  
  


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  « Maison des majoliques » (Majolikahaus) d'Otto Wagner, Vienne (1899).
  

  
  

  
  


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  Épicerie Elisseïev, Saint-Pétersbourg (1903).
  

  
  

  
  


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  Immeuble de la compagnie Singer, Saint-Pétersbourg (1904).
  

  
  

  
  


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  Bâtiment Esders and Scheefhaals, Saint-Pétersbourg (1907).
  

  
  

  
  


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  Art Nouveau tardif, kiosque, Las Palmas de Gran Canaria (1923).
  

  
  

  
  

Un art total |

S'il est relativement polymorphe, l'Art nouveau concerne avant tout l’architecture et les arts du décor. Les connexions entre le mouvement et les arts dits nobles tels la peinture ou la sculpture sont plus éloignés et si des influences croisées apparaissent de manière évidentes, elles ne permettent pas de parler d'un style Art nouveau en peinture et sculpture.

Architecture |

Maison Nelissen avec son élévation de composition asymétrique^[39]

Une partie des origines des réalisations Art nouveau en architecture vient des théories de Viollet-le-Duc qui, très tôt, utilise des formes nouvelles pour dépasser les styles anciens et surtout postule (sans le tester) la possibilité d'ériger des structures portantes en acier pour la recouvrir de maçonnerie. Cette nouvelle technique permet de penser différemment la construction des bâtiments par la suppression des ouvrages de renforcement obligatoire dans l'architecture traditionnelle tels les plafonds voûtés et les arcs-boutants. Cette idée est reprise lors de la période Art nouveau par tous les grands architectes du mouvement, Louis Sullivan, Victor Horta, Francis Jourdain ou Auguste Perret^[40].

Intérieur de l'Hôtel Tassel construit par Victor Horta. 1893. Bruxelles.

Le premier architecte véritablement Art nouveau est Victor Horta. Il emprunte résolument la voie de l'acier au sein de ces constructions ; mais contrairement à la norme adoptées par ces contemporains qui cachent cette matière pour laisser apparent les traditionnelles, il décide de montrer les structures en acier, de les intégrer hardiment à l'ensemble décoratif du bâti. Ce parti-pris à rebours des habitudes fait sensation et devient une marque de fabrique, qu'il porte au plus haut point avec la Maison du peuple commandée par le Parti ouvrier belge achevé en 1899^[40]. Mais le programme de l'architecture Art nouveau est tout entier contenu dans la première construction de Horta, l'hôtel Tassel. Édifié en 1892, cette construction surprend l'ensemble de la profession, car il porte l'architecture bien au-delà des arts décoratifs pour toucher à un domaine bien plus large^[41].

L'hôtel Tassel a un retentissement important, bien au-delà des frontières belges. Ainsi à Paris de nombreux architectes sont conquis par cette nouveauté et s'en inspire plus ou moins largement. Le personnage emblématique de l'architecture Art nouveau dans la capitale française est Hector Guimard qui adjoint les courbes caractéristique du mouvement naissant à son propre style, déjà original^[42]. Toutefois, il est une exception car la plus grande partie des constructions Art nouveau parisienne est l'œuvre de professionnels peu célèbres, surtout pour des magasins et restaurants tel Maxim's ou la bijouterie de Georges Fouquet^[43]. En France, la principale ville où ce style se développe est Nancy où il s'insère dans le développement local d'un puissant mouvement artistique et industriel^[44].

Le projet artistique de Victor Horta est très fréquemment utilisé de manière partielle, mêlé d'inspiration plus classique. Ainsi, Charles Plumet mélange des éléments Art nouveau à des bâtiments typés XVIIIe et Jules Aimé Lavirotte avec des immeubles somme toute classiques dans leur structure générale^[42].

Les architectes qui reprennent le plus intégralement possible les fondamentaux Art nouveau sont peu nombreux. On peut citer en France Xavier Schoellkopf avec la maison de la chanteuse Yvette Guilbert^[42].

L'Art nouveau en architecture est également le prétexte pour faire preuve d'une grande capacité d'invention, tout en dépassant les formes initiales. Ainsi, la villa Jika de Louis Majorelle édifiée par Henri Sauvage à Nancy est construite dans un mélange d'architecture médiévale fantasmée et de formes typiquement Art nouveau^[44].

Quelques œuvres architecturales majeures |

Immeuble construit par Louis Perreau, à l'angle des rues du Château et du Temple, à Dijon.

L'Art nouveau a été décliné selon la sensibilité de chaque pays.

• Les habitations majeures de l'architecte Victor Horta à Bruxelles (patrimoine mondial de l'Unesco).


• Le Castel Béranger d'Hector Guimard à Paris.


• L'Alcazar à Angers.


• Immeuble construit par l'architecte Louis Perreau, à l'angle des rues du Château et du Temple à Dijon (1907).


• La villa Demoiselle, par Louis Sorel, à Reims (1908).


• Ancien Comptoir de l'Industrie (Reims), 6-12, rue Cérès ; architectes : Marcel Rousseau et Émile Thion (1922).


• Les bouches du métropolitain (métro) de la ville de Paris, par Hector Guimard.


• Les œuvres d'Antoni Gaudí, à Barcelone (patrimoine mondial de l'Unesco).


• Œuvres de Lluís Domènech i Montaner, à Barcelone et Reus (patrimoine mondial de l'Unesco).


• La maison Hankar et l'hôtel Ciamberlani, de Paul Hankar, à Bruxelles.


• La Maison Cauchie, de Paul Cauchie, à Bruxelles.


• La Maison dorée, à Charleroi, avec des sgraffites de Gabriel van Dievoet.


• La Maison Delune, de Léon Delune, à Bruxelles.


• Le Centre belge de la bande dessinée à Bruxelles, anciens magasins Waucquez, par Victor Horta (1902).


• La Casa Fenoglio-Lafleur, à Turin.


• La villa Majorelle, à Nancy, d'Henri Sauvage et Lucien Weissenburger (1901-1902).


• L'hôtel du Parc (ex-hôtel Métropole) de Plombières-les-Bains.


• Le Théâtre municipal de Tunis, par Jean-Émile Resplandy, construit en 1902.


• La maison municipale Obecni dum de Prague, par A. Balsanek et O. Polivska (1903-1905).


• Le palais de la Sécession à Vienne, par Joseph Maria Olbrich (1898).


• Le palais Stoclet à Bruxelles (patrimoine mondial de l'Unesco).


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  La Cigale, sur la place Graslin, à Nantes, une des plus belles brasseries de France construite en 1895, classée monument historique.


• Les immeubles des rues Alberta iela et Elizabetes iela à Riga, Lettonie.

L'Art nouveau a également laissé de nombreuses œuvres dans les villes de Nancy et Bruxelles qui furent des centres de développement de ce mouvement. Également, Rīga contient la plus grande concentration d'Art nouveau en Europe.

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  Brasserie La Cigale de Nantes, place Graslin (1895).
  

  
  

  
  


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  Maison russe construite à Nijni Novgorod (en 1913-1916).
  

  
  

  
  


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  Cabaret de l'Alcazar par Gaston Réchin, construit dans le premier quart du XX^e siècle à Angers.
  

  
  

  
  


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  La Sagrada Família, dont la construction a commencé en 1882 et devrait s'achever en 2026.
  

  
  

  
  


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  La villa Demoiselle, à Reims, par l'architecte Louis Sorel.
  

  
  

  
  


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  Ferronneries du palais Gresham (Budapest), avec des représentations de paons, motif très utilisé par la Sécession.
  

  
  

  
  


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  Fronton de la Home Building Association Bank (en), Newark, 2014, Louis Sullivan.
  

  
  

  
  

Mobilier |

Lit et psyché de Gustave Serrurier-Bovy (1899), exposé au musée d'Orsay.

Vase en étain Art nouveau, par Orivit (vers 1900).

Déclinaison industrielle de l'Art nouveau : une poignée de porte de magasin, dessin anonyme (Haute-Vienne).

Certaines informations figurant dans cet article ou cette section devraient être mieux reliées aux sources mentionnées dans les sections « Bibliographie », « Sources » ou « Liens externes » (août 2008).

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La conception du meuble de l'Art nouveau fait revivre l'artisanat : il est le style du concepteur individuel, remettant en son centre le travail de l'artiste et éloignant celui de la machine. L'innovation majeure dans le domaine de la décoration intérieure se situe dans la recherche d’unité. Toutefois, le style n’échappe pas à certains parallèles avec la tradition, en particulier gothique, rococo et baroque ; le gothique servit ainsi de modèle théorique, le rococo d’exemple dans l’application de l’asymétrie, et le baroque de source d’inspiration en matière de conception plastique des formes. De son côté, l’art coloré du Japon, par son traitement hautement linéaire des volumes, contribua également massivement à l’émancipation de l’Art nouveau de l’asservissement à la symétrie des ordres grecs.

Le bois prenait des formes étranges et le métal, à l’imitation des entrelacements fluides de la nature, devint tortueux. En effet, le style est très largement basé sur l’observation de la nature, non seulement en ce qui concerne l’ornement, mais aussi d’un point de vue structurel. Des lignes vitales, sensuelles et ondoyantes, irriguent la structure et en prennent possession. Chaises et tables semblent modelées dans une matière à la mollesse caractéristique. Partout où cela est possible, la ligne droite est bannie et les divisions structurelles sont cachées au bénéfice de la ligne continue et du mouvement. Les plus belles réussites de l’Art nouveau, au rythme linéaire marqué, relèvent d’une harmonie qui les rapproche de l’ébénisterie du XVIII^e siècle.

C’est à Nancy que les affinités entre rococo et Art nouveau apparaissent de la manière la plus convaincante. Moins fascinant, mais faisant partie des personnalités artistiques les plus en vue de l’époque, Louis Majorelle (1859-1926) est le deuxième chef de file du courant Art nouveau à Nancy. Les travaux d’incrustation de Gallé étaient le point fort, en variant beaucoup les motifs, en allant du végétal aux inscriptions littéraires à contenu symbolique. Typique pour la production de ce maître est la transformation d’éléments structurels en tiges ou en branches se terminant en fleurs. Contrastant avec l’école de Nancy, l’Art nouveau parisien est plus léger, plus raffiné et austère. Les motifs d’inspiration naturelle présentent un degré de stylisation plus grand, parfois même une certaine abstraction, et apparaissent de manière marginale.

Bijouterie-joaillerie |

Long collier dit sautoir. La mode est au bijou fantaisie (laiton, verre, corail…).

Collier René Lalique (vers 1898-1900).

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L’art de la joaillerie a été revitalisé par l’Art nouveau, la principale source d’inspiration étant la nature. Cette rénovation fut complétée par la virtuosité atteinte dans le travail de l’émail et des nouveaux matériaux, tels que l’opale et autres pierres semi-précieuses. L’intérêt généralisé porté à l’art japonais et l’enthousiasme grandissant pour les différentes techniques de la transformation du métal, jouèrent un rôle considérable dans les nouvelles approches artistiques et les thèmes d’ornementation.

Durant les deux siècles précédents, la joaillerie fine s’était centrée sur les pierres précieuses, particulièrement sur les diamants. La préoccupation du joaillier consistait principalement à former un cadre adapté, afin que la pierre resplendisse. Avec l’Art nouveau, un nouveau type de joaillerie voit le jour, motivé et dirigé par le concept du dessin artistique, ne donnant plus l’importance centrale du bijou à la pierre sertie.

Les joailliers de Paris et Bruxelles furent les principaux instigateurs de ce revirement, donnant un nouveau souffle qui se traduira rapidement par une large renommée du style Art nouveau. Les critiques français contemporains étaient unanimes : l’art de la joaillerie traversait une transformation radicale, et le joaillier et maître verrier René Lalique se trouvait en son centre. Lalique glorifia la nature dans ses créations, amplifiant son répertoire pour y intégrer des éléments peu conventionnels — citons les libellules et herbes — inspirés par les dessins de l’art japonais.

Les joailliers désiraient se démarquer tout en inscrivant ce nouveau style dans une tradition, puisant leur inspiration dans la Renaissance, pensons notamment aux bijoux en or émaillé et sculpté. Dans la majorité des créations émaillées, les pierres précieuses cédèrent leur place prédominante, les diamants étant relégués à un rôle subsidiaire en combinaison avec des matériaux moins habituels comme le verre modelé, l’ivoire et la corne. La perception du métier de joaillier évolue, considéré par ses créations comme artiste et non plus comme artisan.

Peinture |

Mélancolie, Georges de Feure.

« En raison de son influence ambiguë et souvent très marginale sur les beaux-arts, il est beaucoup plus difficile d'étudier l'Art nouveau dans ce domaine que dans les autres disciplines. Le mouvement correspond plus à une recherche de lignes qu'au domaine de la peinture au sens traditionnel du terme, aussi s'incarna-t-il davantage dans des réalisations plastiques que sur la surface plane »^[45]. Ainsi, de nombreux éléments propres au mouvement Art nouveau sont expérimentés par des peintres avant-gardistes avant d'être repris par des artistes d'autres disciplines. Les caractéristiques les plus significatives communes à la peinture de l'époque et constitutives de l'Art nouveau sont :

• la simplification des formes,


• l'aplatissement de l'espace,


• les capacités évocatrices des lignes courbes,


• la proximité avec le symbolisme^[45].

Il n'existe donc pas réellement d'école de peinture Art nouveau, mais le mouvement est si protéiforme, il touche tant à tous les aspects des représentations graphiques qu'il a une influence sur un grand nombre d'artistes et d'écoles, quelle que soit leur orientation finale^[45].

À la fin des années 1880, la recherche d'un dépassement de l'impressionnisme pousse de nombreux peintres a « réagir contre la conception illusionniste de la forme et contre la dissolution de la ligne et de la surface qui en résulte »^[45]. Initiées par deux associations d'artistes novateurs, les Vingt de Bruxelles et la Société des artistes indépendants à Paris, les écoles de peinture européennes de la fin du siècle empruntent beaucoup au mouvement Art nouveau, que ce soit les symbolistes, les préraphaélites anglais, les expressionnistes allemands, les Nabis et les Fauves^[45].

Peintres notables |

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Louis Guingot, peintre résolument Art nouveau, mais méconnu, était membre du mouvement de l'École de Nancy. Il utilisait une technique de peinture à la colle très originale. Citons également Henri Bellery-Desfontaines, Jules Chéret, Georges de Feure, Victor Prouvé et Théophile Alexandre Steinlen, tous artistes peintres qui se dédièrent tout autant à la peinture, à la lithographie et à l'affiche, refusant la séparation entre arts nobles et arts mineurs : la peinture devient un élément du décor.

En Suisse, on peut aussi citer les noms d'André Evard et Charles L'Eplattenier.

Arts graphiques |

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Des couvertures de livres aux illustrations de revues, des affiches publicitaires aux panneaux décoratifs, de la typographie de presse aux cartes postales, l’Art nouveau a laissé sa trace.

Dans le cadre du renouveau de l'estampe dans les années 1880, soutenu notamment par Auguste Lepère, l'un des précurseurs du nouveau graphisme a été Jules Chéret, le fils d'un typographe, qui avait suivi des cours à la Petite École, future École nationale des arts décoratifs. L'apprenti typographe a développé une nouvelle technique, plus économique, pour la reproduction de la lithographie en couleurs, plus adaptée à la reproduction de masse de l'affiche publicitaire. En outre, il a amélioré la nature esthétique du manifeste, en lui fournissant des motifs décoratifs, le transformant en un art décoratif de forme autonome. Il a été appelé « le père de l'affiche Belle Époque », et a inspiré et encouragé d'autres artistes à explorer le genre.

Des nombreux auteurs qui s’y adonnèrent, le plus influent étant sans conteste le Tchèque Alfons Mucha. Ses créations gagnèrent une renommée internationale, grâce à la délicatesse de ses dessins qui incluaient le plus souvent la figure féminine comme figure centrale, enveloppée par des arabesques d’éléments naturels. Son style, principalement utilisé dans les œuvres à caractère commercial, fut imité par les illustrateurs de son époque. Ce fut, par exemple, le cas de Gaspar Camps, surnommé le Mucha catalan.

Aubrey Beardsley fut un des plus originaux artistes Art nouveau ; ses illustrations en noir et blanc projetant un style très personnel, malgré l’irrévérence érotique et la polémique issue des thèmes qu’il choisit d’illustrer. D’autres affichistes célèbres sont Privat Livemont, Koloman Moser, Charles Rennie Mackintosh, Eugène Grasset, Franz von Stuck ou encore Ramon Casas qui est un artiste du modernisme catalan.

En typographie, de nombreuses créations de caractères se font dans l’esprit de l’Art nouveau, avec, entre autres, Eugène Grasset, Ernest Lessieux et George Auriol (polices Auriol, Française légère) en France, Otto Weisert (police Arnold Böcklin, 1904) en Suisse…

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  L'Éventail d'Octave Uzanne,
  illustré par Paul Avril (1882).
  

  
  

  
  


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  Affiche pour la Fête des fleurs de Bagnères-de-Luchon, Jules Chéret (1890).
  

  
  

  
  


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  Moulin Rouge - La Goulue, affiche de Henri de Toulouse-Lautrec (1891).
  

  
  

  
  


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  La Jupe-paon,
  illustration d'Aubrey Beardsley, pour Salomé d'Oscar Wilde (1893-1894).
  

  
  

  
  


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  Affiche de Alfons Mucha, pour Gismonda (1894)
  

  
  

  
  


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  Affiche de l'exposition d'art décoratif des galeries Poirel de Nancy en 1894. Utilisation du thème du paon récurrente dans l'Art nouveau.
  

  
  

  
  


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  Affiche de la Tournée du Chat noir, Théophile Alexandre Steinlen (1896)
  

  
  

  
  


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  Affiche de Henri Privat-Livemont (1896)
  

  
  

  
  


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  Calendrier JOB de 1897, La Femme blonde, Alfons Mucha (1897).
  

  
  

  
  


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  Au Bon Marché,
  Herman Richir (Hamner)
  pour Delhaize Frères & Cie (1896).
  

  
  

  
  


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  Affiche pour les Motocycles Comiot, Théophile Alexandre Steinlen (1899).
  

  
  

  
  

Verrerie |

Émile Gallé, un des grands maîtres verriers du mouvement Art nouveau

Dans le domaine de la Verrerie, la France connait une révolution artistique dès les années 1880. Cette évolution importante s'ouvre au grand public via l'exposition La pierre, le bois, la terre et le verre qui a lieu à Paris en 1884. Cette exposition présente les deux pionniers du mouvement, Eugène Michel^[46] et Eugène Rousseau. Cette nouvelle vague est immédiatement rejointe par celui qui deviendra le symbole de la verrerie Art nouveau : Émile Gallé^[47].

Émile Gallé révolutionne l'art de la verrerie durant ses vingt années d'activité, autant par l'immense inventivité des formes déployées que par le travail sur de nouvelles techniques et des combinaisons de techniques inédites. Il est connu ainsi pour ses « verreries parlantes », sur lesquelles il inscrit des vers. Son inspiration de prédilection est la nature, que ce soit via la botanique ou l'entomologie. Il bénéficie dès ses premières productions d'un immense succès critique et public^[48]. Rapidement, des imitateurs voient le jour et satisfont une demande croissante pour ce type d'objets décoratifs. Certains présentent de belles réussites artistiques, tels les frères Auguste et Antonin Daum, qui s'associent pour certaines réalisations avec Louis Majorelle, ou les frères Muller^[49].

De très nombreuses sociétés s'engagent donc dans l'Art nouveau, certaines avec une certaine originalité, les plus nombreuses en produisant des copies à moindre coût. Parmi les sociétés dignes d'intérêt sont Schverer & Cie, H. A. Copillet & Cie, Legras & Cie ou les frères Pannier^[50]. Cette vague dure jusque dans les années 1930, s'éteignant donc bien après la mort de Gallé en 1904 et bien après la transformation de l'Art nouveau^[51]. Cet essor de la verrerie porte également le renouveau de la fabrication d'objets en pâte de verre, avec deux vagues d'artistes, les premiers entre les années 1890 et 1900 (Henry Cros, François-Émile Décorchemont ou Georges Depret) et les seconds durant les années 1910 et 1920 (Gabriel Argy-Rousseau, Jules-Paul Brateau, Albert-Louis Dammouse et Amalric Walter)^[52].

A l'étranger, la verrerie Art nouveau se développe largement en Bohême. Une des entreprise majeure de ce mouvement est la verrerie Johann Loetz (de). « La verrerie Loetz se caractérise à l'origine par des formes asymétriques qui combinent des couleurs opaques rehaussées de finitions texturées » ; elle est également connue pour des verres iridescents aux incrustations d'or, proche de la production de Tiffany, ou l'application aux vases d'anses aux formes graciles et grimpantes^[52]. Outre la verrerie Loetz, les quelques autres sociétés à travailler ce style ne le font que de manière superficielle et pour une petite part de leur production : Ludwig Moser und sohn, Meyr's Neffe (de) ou la Glasfabrik Blumenbach^[53].

En Allemagne, le Jungendstil s'empare de la verrerie avec des motifs floraux chez Karl Köpping ou issus de la mythologie germanique dans la verrerie Petersdorfer Glashütte Fritz Heckert (de)^[54].

En Scandinavie et en Russie, peu d'entreprises se lancent dans la fabrication d'objets de style art nouveau. En Suède, les entreprises Kosta et Orrefors, en Russie, la manufacture de verre de la cour tsariste, procèdent à quelques imitations Art nouveau, bien après les débuts du mouvement en Europe de l'ouest^[55].

Les verriers du Royaume uni sont très peu réceptifs à la stylistique Art nouveau, préférant les motifs classiques ou mythologiques. Seules les sociétés Thomas Webb & Sons et Stevens & Williams, domiciliées à Stourbridge, osent itmidement quelques réalisations aux motifs floraux, tout en restant assez conventionnels^[55].

En Amérique du Nord, la production d'objets en verre est dominée par Tiffany. Celui-ci, tout en réalisant toujours des gammes d'objets conventionnels, se tourne vers des thèmes floraux proches de l'Art nouveau européen. La mise au point d'un procédé de fabrication industriel nouveau lui permit de développer un commerce à destination des classes moyennes, étant ainsi en phase avec l'une des aspirations des artistes Art nouveau. On peut citer également la société Steuben Glass Works (en) (à Corning) et Philip Julius Handel (dans le Connecticut). L'immense succès de Tiffany incite de nombreuses compagnies à l'imiter, et à poursuivre même lorsque le mouvement s'essouffle dans les années 1920 et 1930^[56].

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  Vase à la carpe, Appert Frères, Eugène Rousseau, entre 1878 et 1884, Walters Art Museum.
  

  
  

  
  


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  Vase d'Émile Gallé, vers 1885, Metropolitan Museum of Art.
  

  
  

  
  


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  Vase aux arbres, Frères Daum, Maryhill Museum of Art.
  

  
  

  
  


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  Assiette en faience, Amalric Walter, vers 1900.
  

  
  

  
  


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  Vase de Johann Loetz, vers 1900, musée Fin de siècle.
  

  
  

  
  


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  Vases Tiffany, The Higgins museum (en).
  

  
  

  
  


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  Vase réalisé par la société Steuben Glass Works, entre 1900 et 1925, Krannert Art Museum (en)
  

  
  

  
  

Céramique |

Vitrail |

Principales tendances |

Europe du Nord |

Autriche-Hongrie |

Au sein de la monarchie Austro-hongroise, l'Art nouveau est dénommé mouvement sécessionnisme et est mené par Otto Wagner et ses élèves Olbricht et Hoffmann^[44].

La première période de ce mouvement, entre 1895 et 1904, voit apparaître des bâtiments colorés, plein de courbes, fantaisistes et même facétieux. Par la suite, ils évoluent vers des formes plus épurées et un retour à la tradition. L'exemple le plus significatif de cette école est la maison d'Adolphe Stoclet à Bruxelles, réalisé par Hoffmann entre 1904 et 1911, et qui à elle seule expose une grande partie du savoir-faire des artisans viennois^[57].

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  Pavillon du musée de Vienne, réalisé par Otto Wagner.
  

  
  

  
  


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  Palais Stoclet, détail de l'entrée, réalisé par Josef Hoffmann.
  

  
  

  
  


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  Palais Stoclet, coupole.
  

  
  

  
  

France |

Si Nancy et Paris concentrent à elles-deux la majorité de l'Art nouveau architectural en France, de nombreuses villes abritent plusieurs réalisations de cette époque et de ce style.

Paris |

Porche d'entrée de la station de métro Porte Dauphine, créée par Hector Guimard.

À Paris, comme ailleurs en France, mais en plus foisonnant, l'Art nouveau se développe à la suite de deux mouvements majeurs de la société française : l'esprit fin de siècle, esthétisant et décadent et dont les initiateurs sont les poètes Rimbaud, Verlaine, Baudelaire ou Gautier et le triomphe du modèle social bourgeois sous l'Empire et surtout la Troisième République^[58]. L'Art nouveau spécifiquement parisien est défini par les réalisations d'Eugène Gaillard et Georges de Feure, qui mettent en avant au-delà d'autres motifs les arabesques élégantes et la féminitté^[59].

Le mouvement artistique Art nouveau s'exprime dans la capitale dans tous les arts et se déploie pleinement dans tous les aspects de la vie quotidienne, architecture, orfèvrerie, ébénisterie, arts visuels, ... De nombreux artistes tel Hector Guimard ne se limitent pas à tel ou tel aspects mais explorent leurs idées au travers des réalisations très variées^[60].

Paris découvre l'Art nouveau essentiellement grâce aux efforts et au talent de dénicheur de Siegfried Bing. Celui-ci, mécène et revendeur passionné d'objets d'art ouvre en 1895 une galerie appelée Maison de l'Art nouveau qui fait connaître tout autant les productions d'un très grand nombre d'artiste du mouvement qu'il ne popularise le terme auprès du grand public. Bing investit également une forte somme pour aménager le pavillon de l'Exposition universelle, dont il confie la décoration de la façade à André Arfvidson, et qui lui assure, à lui tout autant qu'à l'Art nouveau, une très large renommée^[59].

Nancy |

Mais c'est Nancy qui va constituer le plus bel ensemble d'Art nouveau français. La ville a accueilli à partir de 1871 de nombreux lorrains qui souhaitaient rester Français, après l'annexion d'une partie de la Lorraine par l'Empire allemand. L'Art nouveau y devient le moyen d'expression d'un régionalisme revendiqué. Émile Gallé, Daum Frères, Jacques Grüber et bien d'autres, créent l'École de Nancy.

Belgique |

Bruxelles |

Les prémisses de l'Art nouveau se retrouvent dans les serres royales de Laeken, construites à la demande du roi Léopold II. Mais c'est le Parti ouvrier belge qui lança véritablement l'Art nouveau en Belgique, en confiant la construction de la Maison du Peuple à Victor Horta, en 1897. Parmi les influences de Victor Horta, on peut nommer Paul Hankar et Gustave Serrurier-Bovy, inventeurs du style à membrures.

Pour Klaus-Jürgen Sembach, la maison de l'ingénieur Tassel incarne toute la complexité de l'Art nouveau : « Les éléments rationnels et artistiques sont parvenus à une symbiose où ne prédomine aucun des deux éléments. » L'utilisation des structures d'acier permet d'assurer la transparence, concept central dans l'œuvre d'Horta, et donner une illusion d'espace dans une ville où les parcelles constructibles sont étroites^[61].

L'artiste le plus célèbre de Bruxelles est Henry van de Velde, sans doute grâce à son talent dans le marketing personnel. Il commence sa carrière par la construction de sa propre maison, la villa Le Bloemenwerf, sans formation de design ou d'architecture.

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  Intérieur des serres royales de Laeken.
  

  
  

  
  


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  Gustave Serrurier-Bovy, paravent (1899), aux formes arquées typiques de l'artiste, musée d'Orsay.
  

  
  

  
  


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  Hôtel Ciamberlani, de Paul Hankar.
  

  
  

  
  


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  Maison de l'ingénieur Tassel, par Victor Horta.
  

  
  

  
  

Suisse |

En Suisse, sous l'impulsion de Charles L'Eplatenier, une variante locale de l'art nouveau s'attache à évoquer la végétation propre aux régions montagneuses du Jura. Il s'agit du style sapin visible dans la région de La Chaux-de-Fonds. Le musée des beaux-arts de cette ville conserve un important ensemble de meubles, peintures, ainsi que de créations horlogères.

Espagne |

Catalogne |

casa Batllo

À l'opposé des autres tendances de l'Art nouveau en Europe, les artistes, en Catalogne et en Hongrie, cherchent à créer ou à mettre en valeur une architecture nationale réelle ou supposée. Lorsque Lluis Domènech i Montaner déclarait, en 1878 : « Le mot de la fin sur toutes ces discussions sur l’architecture, la question centrale de toutes ces critiques tourne autour de l'idée d’une architecture moderne nationale. »

L’Art nouveau en Catalogne est donc l’occasion comme l’écrit l’écrivain catalan Joan Fuster de créer « une culture nationale moderne. Elle s’exprime notamment à travers l’architecture, spécifique à l’art nouveau catalan et spectaculaire dans l’espace urbain comme à Barcelone où s’exprime « la libération des couleurs et des formes »^[62] :

• 
  Arc de triomphe par Josep Vilaseca (1888)


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  Casa Batllo, casa Mila dit La Pedrera 1905-1910, Sagrada Familia (1882…) et Parc Guell (1900-1914) par Antoni Gaudi
  


• 
  Hôpital de Saint Pau (1901-1930) par Lluis Domenech

Hongrie |

Église Sainte-Élisabeth de Bratislava, par Ödön Lechner.

Certaines informations figurant dans cet article ou cette section devraient être mieux reliées aux sources mentionnées dans les sections « Bibliographie », « Sources » ou « Liens externes » (août 2008).

Améliorez sa vérifiabilité en les associant par des références à l'aide d'appels de notes.

En Hongrie, Ödön Lechner (1845-1914), s'inspirait de l'architecture indienne et syrienne, récupérait et intégrait les éléments et techniques de construction et de design traditionnels hongrois. Suivant un style différent, le Groupe des Jeunes (Fiatalok), qui incluait Károly Kós et Dezső Zrumeczky, s’inspira de ses méthodes et créa un autre style trouvant ses racines dans l'architecture de Transylvanie. Cette démarche fait clairement écho à la réutilisation du néomudéjar, puis à la récupération des techniques traditionnelles par les architectes catalans pour créer un art national.

Si dans l'un et l'autre des cas, ces démarches aboutirent à des tendances originales, d'autres artistes s'inspirèrent des autres mouvements.

États-Unis |

Royaume-Uni |

Russie |

Principaux représentants |

Maude Adams en Jeanne d'Arc, Alfons Mucha (1909).

Œuvre Art nouveau d'Élisabeth Sonrel (1900).

L'Art nouveau est surtout un mouvement répandu en Europe, mais il existe aussi quelques développements aux États-Unis et en Tunisie.

Voici les principaux pôles et intervenants de l'Art nouveau à travers le monde :

• En Catalogne, surtout à Barcelone, le modernisme cherche à créer un art national, très au-delà de l'architecture et du design. Il est essentiellement représenté par Antoni Gaudí et Domènech i Montaner en architecture, Santiago Rusiñol et Ramon Casas en peinture, Josep Llimona et Alexandre de Riquer en sculpture, Joan Fuster, Joan Maragall et Jacint Verdaguer en poésie et littérature.

• 
  Victor Horta inaugure les premiers édifices de l'Art nouveau en Belgique. Il est suivi par Paul Hankar, Benjamin De Lestré de Fabribeckers, Ernest Blerot, Paul Cauchie, Gustave Strauven, Paul Saintenoy, Léon Delune, Philippe Wolfers, Jules Brunfaut, Gabriel van Dievoet, Gustave Serrurier-Bovy, Victor Rousseau, Paul Jaspar, Victor Rogister et bien d'autres. L'intellectuel du mouvement, Henry van de Velde, développera son art en Allemagne.

• En France, outre Hector Guimard, Paris s'enorgueillit de personnalités comme Eugène Grasset, René Lalique, Jules Lavirotte, Eugène Gaillard, Edgar Brandt, Georges-Théodore Nachbaur, Samuel Bing ou Élisabeth Sonrel. Mais l'ensemble le plus cohérent est constitué par les membres de l'École de Nancy tels les Frères Daum, Émile Gallé, Jacques Grüber, Louis Majorelle, Eugène Vallin et bien d'autres, moins connus, comme Antonin Barthélemy, Octave Gelin, Louis Déon, etc.

• En Autriche avec Otto Wagner, Josef Olbrich, Josef Hoffmann, Koloman Moser, Otto Eckmann et dans les beaux arts Gustav Klimt, Egon Schiele ou Oskar Kokoschka à Vienne.

• Au Royaume-Uni, Charles R. Ashbee, William Morris, John Ruskin issus du mouvement Arts & Crafts forment à Londres les précurseurs. Il se développe ensuite à Glasgow avec Charles Rennie Mackintosh et son épouse Margaret MacDonald Mackintosh, qui ont formé avec la sœur de Margaret, Frances MacDonald et James Herbert MacNair, le collectif de l'École de Glasgow (Glasgow School) connu sous le nom The Four (Les Quatre) ou avec Aubrey Beardsley.

• Aux États-Unis, Louis Sullivan, Louis Comfort Tiffany, William Bradley à New York et Chicago.

• L'Allemagne est représentée par August Endel, Hermann Obrist, Peter Behrens et Josef Maria Olbrich à Munich, Berlin et Darmstadt.

• En Italie, Pietro Fenoglio, Ernesto Basile, Raimondo D'Aronco, Giuseppe Sommaruga, Carlo Bugatti, Giovanni Battista Bossi, Giuseppe Brega, Alessandro Mazzucotelli, Galileo Chini, Vittorio Ducrot, Ettore De Maria Bergler, Duilio Cambellotti (it), Giulio Ulisse Arata (it), Gioacchino Luigi Mellucci (it), Gino Coppedè.

• En Suisse, le seul centre de création Art nouveau à l'École d'art de La Chaux-de-Fonds est représenté par le style sapin de Charles L'Eplattenier, et également par le peintre et décorateur André Evard et par Arnold Böcklin ou Théophile Alexandre Steinlen. La première réalisation dans ce pays, la maison Sandreuter, à Bâle, est l’œuvre de Flora Steiger-Crawford.

• Aux Pays-Bas, Jan Toorop et H.P. Berlage.

• Au Luxembourg, Eugène Fichefet à Mondorf-les-Bains.

• En République tchèque, Alfons Mucha (Prague).

• En Hongrie, l'Art nouveau, appelé sur le modèle de Vienne la Sécession hongroise, avait pour ambition de créer un style national avec pour particularité l'utilisation d'éléments issus de traditions rurales hongroises et de l'art d'Asie, continent d'origine, pensait-on, des Magyars. On peut citer l'architecte Ödön Lechner, dont les céramiques devinrent sa signature, Béla Latja, Aladár Árkay, Károly Kós et István Medgyaszay.

• Dans les pays nordiques, la Norvège a eu les toiles d'Edvard Munch à Ålesund ou Trondheim et la Finlande, Eliel Saarinen.

• En Russie (Petrograd), Mikhaïl Eisenstein, architecte et père du cinéaste Sergueï Eisenstein, qui a également laissé son empreinte sur le paysage architectural de Rīga en Lettonie. À Moscou : Lev Kekouchev, Franz Schechtel, Ivan Fomin architectes.

• En Lettonie, on peut citer les architectes Jānis Alksnis, Eižens Laube et Konstantīns Pēkšēns. Parmi les peintres lettons, c'est Jūlijs Madernieks qui s'est véritablement démarqué comme représentant de ce genre^[63].

• En Tunisie, Jean-Émile Resplandy, à Tunis.

Principales villes Art nouveau dans le monde |

Les pays et villes faisant l'objet d'un article traitant de l'Art nouveau sont indiqués en gras.

Verrière et lustre^{[Note 6]} de la galerie du palais Gresham, à Budapest.

Kůň, Lucerna passage, Prague.

• 
  Allemagne : Darmstadt, Weimar, Munich, Karlsruhe, Leipzig, Bad Nauheim, Halle (Saale), Berlin, Hagen, Stuttgart et Heidelberg
  


• 
  Argentine : Buenos Aires et Rosario
  


• 
  Autriche : Graz et Vienne
  


• 
  Belgique : Bruxelles, Anvers, Liège, Charleroi, Gand, Tournai, Blankenberge, Namur, Gand et Spa
  


• 
  Bulgarie : Sofia
  


• 
  Cuba : La Havane
  


• 
  Espagne : Barcelone, Carthagène, Las Palmas de Gran Canaria, Palma de Mallorca, Reus et Terrassa
  


• 
  Finlande : Helsinki
  


• 
  France : Nancy, Paris et Strasbourg
  


• 
  Géorgie : Tbilissi
  


• 
  Royaume-Uni : Glasgow
  


• 
  Hongrie : Budapest
  


• 
  Italie : Turin, Milan, Gênes, Trieste, Naples (it), Palerme, Bologne
  


• 
  Lettonie : Riga, Alberta iela
  


• 
  Luxembourg : Mondorf-les-Bains
  


• 
  Maroc : Casablanca
  


• 
  Norvège : Ålesund et Trondheim
  


• 
  Pays-Bas : La Haye
  


• 
  Pologne : Łódź, Cracovie, Poznań, Szczecin et Wroclaw
  


• 
  Portugal : Aveiro
  


• 
  République tchèque : Prague
  


• 
  Roumanie : Oradea
  


• 
  Russie : Moscou et Saint-Pétersbourg
  


• 
  Slovaquie : Bratislava
  


• 
  Slovénie : Ljubljana
  


• 
  Suisse : La Chaux-de-Fonds et Zurich
  


• 
  Tunisie : Tunis
  

Postérité de l'Art nouveau |

Le temps du déni des historiens - années 1920-1940 |

Dans les grandes histoires de l’architecture européenne du XX^e siècle, à partir des années 1930 et tout au long des années 1940-1950, les principaux historiens, à l'instar de Nikolaus Pevsner, Sigfried Giedion ou encore Henry Hitchcock (en), ne prennent pas en considération l’Art nouveau. Ainsi, les premières versions du Génie de l’architecture européenne, de Pevsner, ne mentionnent ni Guimard, ni Gaudí. En fait, ces auteurs peinent à situer l’Art nouveau dans une perspective historique et acceptent difficilement la remise en cause de l’affirmation d’une structure (acier, verre…) claire, franche et très affirmée.

Chaise Panton, exemple de design organique

Dans les années 1930, les surréalistes ont une part très active dans la réhabilitation de l’Art nouveau. Salvador Dalí publie un article dans la revue Minotaure, organisme de diffusion de la pensée surréaliste, qui s'intitule « De la beauté terrifiante et comestible du Modern style ». Cet article est illustré par les photographes les plus modernes, comme Brassaï, à qui Dalí commande un reportage sur les entrées du métropolitain nocturne de Guimard. Un autre reportage est commandé à Man Ray pour les architectures de Gaudí. André Breton partageait cette appréhension de l’Art nouveau à la manière de Dalí qui évoque les « formes libidineuses de l’Art nouveau ». Mais surtout Dalí y voit un formidable moyen de lutte contre Le Corbusier, car l’Art nouveau présente une architecture onirique, érotique et beaucoup plus proche du rythme de l’homme^[4].

À la même époque, Dalí découvre l'œuvre du peintre Clovis Trouille — il se présentait comme un « rescapé de 1900 » —, qui l'enthousiasme par son absence d'autocensure et ses références récurrentes à l'Art nouveau. C'est aussi au cours de ces années 1930 que le designer finlandais, Alvar Aalto, conçoit des formes sinueuses, libres et expressives, évocatrices des créations les plus abstraites de l'Art nouveau^[64].

La chaise Escargot, de Carlo Bugatti, préfigure la chaise Floris de Günter Beltzig, ou encore la célèbre Panton Chair, créée en 1959 par le Danois Verner Panton, et devenue depuis un grand classique de la décoration contemporaine. Quant aux créations de Carlo Mollino, dans les années 1950, elles rappellent les ossatures du mobilier de Gaudí^[64].

La redécouverte et la compréhension 1950-2000 |

La parution des premiers grands ouvrages traitant de l’Art nouveau se fait à la fin des années 1950, avec Johnny Watser. Rétrospectivement, ce sont surtout les reproductions des affiches qui ont séduit et le matériel Art nouveau devient accessible aux gens qui font du design. Les motifs seront repris dans les années 1960 par les jeunes artistes graphistes designers. Deux dates expliquent cette connaissance : l'organisation en 1963, au Victoria and Albert Museum de Londres, d'une exposition Mucha et, en 1966, une exposition consacrée au dessinateur Aubrey Beardsley, deux évènements essentiels dans la redécouverte de l'Art nouveau.

En 1966, le sculpteur François-Xavier Lalanne renoue avec le projet de l'Art nouveau de saisir la nature pour améliorer le cadre de vie de l'homme moderne. Cette même année apparaissent à San Francisco les premières affiches psychédéliques dont les graphistes reprendront certains thèmes de l'Art nouveau tels que la chevelure, le paon ou les formes féminines^[64].

Entre les années 1980 et 1990, le très nombreuses institutions muséales ont recherché et acquis des éléments art nouveau. Elles ont consacré à ce mouvement de nombreuses expositions et rétrospectives. Enfin, de nombreux ouvrages parus montrent l'intérêt que le public porte sur l'art nouveau sur cette période^[65].

Patrimoine mondial de l'Unesco |

Les principaux bâtiments classés par l'Unesco comme patrimoine mondial se trouvent à Barcelone et Bruxelles.

La première ville abrite des monuments classés du modernisme catalan des architectes Antoni Gaudí et Lluís Domènech i Montaner. Pour le premier, il s'agit du parc Güell, du palais Güell, de la Casa Mila, de la Casa Vicens, du travail de Gaudí sur la façade de la Nativité et la crypte de la basilique de la Sagrada Familia, de la Casa Batlló et de la crypte de la Colonie Güell. Pour le second, il s'agit de l'hôpital de Sant Pau et du palais de la musique catalane.

À Bruxelles, ce sont des bâtiments de Victor Horta et Josef Hoffmann. Du premier, ce sont les quatre habitations majeures : l'hôtel Tassel, de l'hôtel Solvay, de l'hôtel van Eetvelde et de la maison Horta, maison-atelier de l'architecte, devenue musée Horta. Du second, c'est le palais Stoclet, réalisé entre 1905 et 1911 par l'architecte autrichien Josef Hoffmann, l'un des maîtres de la Sécession viennoise.

Bibliographie |

Ouvrages généralistes |

• 
  Jeremy Howard, Art Nouveau : International and National Styles in Europe, Manchester University Press, coll. « Critical Introductions to Art », 5 décembre 1996, 300 p. (ISBN 978-0719041617, lire en ligne).


• Pierre Loze, L'Art nouveau, Paris, Flammarion, 1999(ISBN 2-08-011368-2)


• Alastair Duncan, Art nouveau, Thames & Hudson, 2000 (1^re éd. 1984), 216 p. (ISBN 2-87811-182-6)


• Paul Greenhalgh, Art nouveau : un défi, Herscher, 2000(ISBN 2-7335-0302-2)


• Klaus-Jürgen Sembach, L'Art nouveau : L'Utopie de la Réconciliation, Cologne, Taschen, 2002(ISBN 3-8228-2139-X)


• Roger-Henri Guerrand, L'Art nouveau en Europe, Plon, coll. « Tempus », 2005 (1^re éd. 1965), 304 p., nouv. éd. Tempus Perrin (ISBN 978-2262031992)


• Françoise Aubry, Jos Vandenbreeden et France Vanlaethem, Art nouveau, Art déco & modernisme, Éditions Racine, 2006, 408 p. (ISBN 978-2873864675)


• Paul Greenhalgh (dir.), Art nouveau, 1890-1914, Bruxelles, La Renaissance du livre, coll. « Références », 2006, 460 p. (ISBN 978-2874156359)


• 
  Sylvie Mazaraky, L'art nouveau : Passerelle entre les siècles et les arts, Racine Lannoo, coll. « Articles sans C », 26 juin 2006, 191 p. (ISBN 978-2873864132, lire en ligne).


• Anke von Heyl, Art nouveau, H.F.Ullmann, 2009, 288 p. (ISBN 978-3-8331-5134-7)


• Jean-Michel Leniaud et Marie-Amélie Tharaud, L’Art nouveau, Paris, Citadelles et Mazenod, coll. « L'art et les grandes civilisations », 2009, 619 p. (ISBN 978-2850884436)


• 
  Klaus-Jürgen Sembach, L'Art Nouveau, Taschen, 2013(ISBN 978-3-8228-3005-5).


• Gabriele Fahr-Becker (trad. Annie Berthold, France Varry, Danièle Hirsch, ISBN de l'édition originale allemande : 3-8331-1042-2), L'Art nouveau [« Jugendstil »], Potsdam, Ullmann, 2015, 424 p. (ISBN 978-3-8480-0857-5)

Catalogue d'exposition |

• Victor Arwas, Paul Greenhalgh, Dominique Morel et Marc Restellini, L'Art Nouveau. La révolution décorative, Éd. Pinacothèque de Paris/Skira, catalogue de l'exposition à la Pinacothèque de Paris, 2013.

Suisse |

• 
  Pierre du Bois de Dunilac, Les Mythologies de la Belle Époque. La Chaux-de-Fonds, André Evard et l'Art nouveau, Lausanne, 1975, W. Suter, 1975, 34 p.

Belgique |

• Alice Delvaille et Philippe Chavanne, L'Art nouveau dans le Namurois et en Brabant wallon, Alleur, 2006, 132 p, p. (ISBN 2-87114-208-4).


• Françoise Dierkens et Jos Vandenbreeden, Art nouveau en Belgique. Architecture et intérieurs, Éditions Racine, coll. « Architecture en Belgique », 1991, 226 p. (ISBN 978-2873860141).


• Éric Hennaut et Liliane Liesens, L'Avant-garde belge. Architecture, 1880-1900, Bruges, 1995, Stichting Sint-Jan et Archives d'architecture moderne, p. 36, 37.


• Benoît Schoonbroodt, Artistes belges de l'Art nouveau (1890-1914), Éditions Racine, Bruxelles, 2008, 272 p. (ISBN 978-2873865603), p. 38–39, 80-85.

Bruxelles |

• Paul Aron, Françoise Dierkens, Michel Draguet et Michel Stockhem, Bruxelles fin de siècle, Philippe Roberts-Jones (dir.), Flammarion, 1994.


• Franco Borsi, Bruxelles, capitale de l'Art nouveau, Éditions Marc Vokar, 1971 ; nouv. éd., Marc Vokar éditeur, coll. « Collection Europe 1900 », 1993, 385 p. (ISBN 978-2870120088).


• Éric Hennaut et Maurice Culot, La Façade Art nouveau à Bruxelles, Bruxelles, 2005, AAM, p. 42, 45, 47.


• Éric Hennaut, Walter Schudel, Jos Vandenbreeden, Linda Van Santvoort, Liliane Liesens et Marie Demanet, Les Sgraffites à Bruxelles, Fondation Roi Baudouin, coll. « L'art dans la rue », Bruxelles, 1994, 141 p. (ISBN 9782872121335), p. 9, 57, 63, 64, 65, 66, 67, 69 et 4^e de couverture.


• Pierre et François Loze, Belgique Art Nouveau. De Victor Horta à Antoine Pompe, Eiffel Éditions, Bruxelles. 1991, 216 p. (ISBN 2-930010-05-3), D/1991/5298/5.


• Louis Meers, Promenades Art nouveau à Bruxelles, Bruxelles, éditions Racine, 1995.


• Maurice Culot et Anne-Marie Pirlot, Art nouveau. Bruxelles, AAM, 2005, 94 p. (ISBN 978-2871431268), p. 16, 35, 90, 91.

Artistes |

• Franco Borsi, Victor Horta, Éditions Marc Vokar, 1970.


• Franco Borsi et Paolo Portoghesi, Victor Horta, Éditions Marc Vokar, 1977.


• Sylvain Mikus, Octave Gelin, un architecte entre Art nouveau et Art déco, Études marnaises, Société d'agriculture, commerce, sciences et arts de la Marne, 2009.


• Anne Murray-Robertson-Bovard, Grasset, pionnier de l’Art nouveau, Bibliothèque des Arts, Lausanne, 1981 (ISBN 2-8265-0044-9) (OCLC 26238048).


• François Loyer, Paul Hankar, La naissance de l'Art nouveau, Bruxelles, Archives d'architecture moderne, 1986, 478 p. ; édition espagnole : Paul Hankar. Diez anos de Art Nouveau, Madrid, Ministerio de Obras Publicas y Transportes, 1993.

Notes et références |

Notes |

Références |

Voir aussi |

Articles connexes |

Liens externes |

• 
  (en) art.nouveau.free.fr, Biographies et nombreuses photographies.


• 
  la-belle-epoque.de/, Photographies de toutes les villes art nouveau d'Europe.


• 
  artnouveau-net.eu, Réseau Art nouveau Network.

v · m Le mouvement Art nouveau dans le monde
Europe	.mw-parser-output .sep-liste{font-weight:bold} Allemagne (Jugendstil) : Berlin, Darmstadt, Dresde, Munich · Angleterre (Arts & Crafts) · Autriche (Sezessionsstil) : Vienne · Belgique : Anvers, Bruxelles, Charleroi, Gand, Liège, Namur, Spa, Tournai · Bulgarie · Danemark · Écosse (Glasgow School) · Espagne (Modernismo) : Barcelone, Bilbao, Madrid · Finlande · France : Lille, Nancy, Paris, Strasbourg · Géorgie · Hongrie : Sécession hongroise, Budapest · Italie (Stile Liberty) : Milan, Naples, Turin · Lettonie : Riga · Luxembourg · Norvège · Pays-Bas (Nieuwe Kunst) · Pologne · Portugal · Roumanie · Russie (Modern) · Slovaquie · Slovénie · Suède · Suisse · Tchéquie : Prague · Turquie : Istanbul
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Voir aussi : Impressionnisme · Modernisme · Art moderne · Sécession viennoise

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